Votre Art à ma façon
El proceso de diseño de vestidos artísticos y únicos de JUSTE UNE IMPRESSION es fundamentalmente un proceso artístico, me pareció obvio que podría aplicarse a otras obras contemporáneas, obviamente con el acuerdo de sus autores.
La idea es
para transponer arte donde no necesariamente lo esperamos (Pop Art, ¿verdad?),
enfocarse de manera diferente en estos artistas para darles visibilidad,
pero también y sobre todo para dar otra perspectiva a la obra original.
Las fotografías de los trabajos se vuelven a trabajar (en particular en densidad de color, tamaños) antes de imprimirse y entintarse en la fibra textil de forma permanente e indeleble ( sin alterar el número de lavados a máquina a 30 ° ). El patrocinio se realiza manualmente por el diseñador de manera subjetiva para dar una nueva perspectiva al trabajo inicial necesariamente truncado por el corte trapezoidal del vestido.
desde
funciona
original
único
Cada vestido / trabajo se hizo en 1 copia única. Se acordó que se podrían realizar reediciones por pedido, pero dentro del límite de 10 copias máximo numeradas y firmadas por los artistas.
Certificado de autenticidad proporcionado.
mi ENFOQUE
Incluso si este ejercicio de resaltar obras artísticas a través de mi proceso de diseño textil es a priori transponible a un cierto número de obras, tengo el postulado de elegir tanto las obras como los propios artistas, ser humano tan importante para mí como el trabajo mismo.
Como diseñador gráfico, diseñador y creador, tengo una línea gráfica y estética ... como una línea de conducta artística, una línea editorial para una estética y gráfica general coherente.
Estas colaboraciones artísticas se han impuesto como evidencia estética y humana, extrayendo de sus respectivos universos otras posibles variaciones de mis emblemáticos vestidos de marca.
VESTIDOS ARTY
Los artistas
Gilles OUAKI
El fotógrafo francés Gilles Ouaki comenzó su carrera a través del fotoperiodismo, un verdadero salvavidas para este niño suburbano que podría haberse dado la vuelta.
Encuentra su camino, convirtiéndose en los ojos de los demás. Durante veinte años, Gilles Ouaki, a su vez un gran reportero para el parisino y luego en Paris-Match, siguió las noticias desde las noticias hasta el glamour de las estrellas. Mesrine, Action Directe, Carlos, el objetivo de Ouaki sublima la muerte de un gángster o la sonrisa de la gente. Entre una evocación de la "silla eléctrica" de Warhol o los "asesinatos" de Monory , sus imágenes ofrecen una relación directa con el realismo. Ouaki obtuvo, en 1982, el Gran Premio de la Ciudad de París y el Gran Premio de París por su trabajo.
Al mismo tiempo, el artista fotógrafo desarrolla una pasión por el arte contemporáneo: "¡Los artistas son faros que iluminan el mundo y nuestro mundo lo necesita"! En 1998, Ouaki dio el paso y se convirtió en intérprete al exponer a FIAC el jefe de Free Figuration, Robert Combas para "The Wall", alucinación controlada de graffiti reluciente y fotos denunciando al hombre moderno amurallado en la "sociedad carcelaria". ".
Gilles Ouaki es un artista de su tiempo que provoca encuentros improbables. Cazador de emociones, creador de diálogos, no prohíbe nada. En el Val d'Oise, en 2009 estableció una nueva bienal artística, "la Gran apuesta [s] del arte contemporáneo". Los mejores artistas estuvieron presentes: Wiliam Klein , ORLAN , Gérard Fromanger ...
En 2010, Gilles Ouaki se unió a la familia de diseñadores y presentó su última creación, Cheese, durante la décima edición del Día del Diseñador. Ofrece una cámara Brownie gigante como sofá, estantería, pantalla de plasma, lámpara ... un trabajo que le otorgará la calificación de "uno de los artistas contemporáneos más esenciales de su generación" (Current Art).
Su talento es reconocido por actores públicos y privados en la escena del arte: desde el Día del Diseñador, Gilles Ouaki se ve impulsado al Grand Palais para exhibir en una exposición individual. Es presentado como uno de los 10 fotógrafos más importantes del mundo en el espectáculo "Paris Photo" 2010 de Leica junto a Jane Evelyn Atwood o Stanley Green. El mismo año, durante los 30 años de la tienda de conceptos L'Eclaireur, Armand Hadida confió a Gilles Ouaki la organización de una actuación para este aniversario.
Pero Gilles Ouaki aprecia especialmente la experiencia de percolación e hibridación: con Bye-Bye Polaroïd en 2009, celebró el fin del Polaroïd desarrollando un trabajo de "compartir" con sus amigos artistas. Objetivo: producir instantáneas que se conviertan en el soporte de un nuevo trabajo. ¡Arman , Ben, Robert Combas, Bernard Venet, Nathalie Elemento, Fabrice Hyber, Joël Hubaut, Jean-Paul Goude, Erro, Monory, Orlan, Rancillac, Pierre Soulages, Jacques Villeglé, Yann Queffélec respondieron!
En 2012, lo hizo de nuevo; Esta vez, el trabajo de alquimia trabaja con los grandes del Street Art, invitados a intervenir en tomas vintage del artista Ouaki. Estas imágenes de gángsters y calles en blanco y negro son revisadas por streetarters. Resultado: Cope2, Faucheur, Monsieur Chat, Speedy Graphito, Konny, ThomThom, Paella ... 43 artistas de arte callejero participan en NB & Coulour. Pero el artista no olvida su trabajo como Intérprete, en el Pont des Arts con la operación I Lock You, Gilles Ouaki libera y rompe los candados del mítico Puente parisino para inmortalizarlos en gran formato en el Carrousel du Louvre durante el Tranoï 2012
Jean-Michel GNIDZAZ
Después de una década de reflexión dedicada a las composiciones geométricas, Jean-Michel Gnidzaz rompe hoy con pura abstracción y le da una nueva orientación a su trabajo. Desde 2003, ha iniciado una nueva serie de retratos dedicados a íconos culturales del siglo XX. Golpeado por la persistencia en el inconsciente colectivo de ciertas imágenes o fotografías de grandes personalidades culturales del siglo XX, en particular aquellas que son sinónimo de una rebelión contra el orden establecido, Jean-Michel Gnidzaz cuestiona aquí su estatus icónico. Al neutralizar el fondo de la fotografía original, al recomponer el retrato de juegos de bandas bicolores y tricolores, planas y de colores alternos que reintroducen un cierto cinético, priva a estos incunables de la historia contemporánea de una identificación Demasiado inmediato. Así descartados por un momento del consenso, del respeto acordado que generalmente se reserva para ellos, estos ídolos populares encuentran cierta capacidad para hostigar al espectador. El proceso nos empuja a dar un paso histórico rápido hacia atrás para evolucionar nuestras preguntas: ¿qué significarían los Beatles, James Dean o incluso Coluche en nuestra sociedad actual; ¿Qué lugar ocuparán en las mentes de las generaciones futuras? ¿escaparán del estado decorativo al que la explotación mercantil de su imagen los ha relegado? Nadie tiene la respuesta todavía, pero el trabajo de Jean-Michel Gnidzaz sabiamente cuestiona. Esta nueva serie de retratos, y la avalancha de preguntas que plantea, sin duda se plantean como un nuevo hito esencial en su viaje artístico y nos da curiosidad sobre sus desarrollos futuros.
Amiel grumberg
Anne MONDY
Nacida en 1972, Anne Mondy es una diseñadora que crea collages.
y mezclas desde una edad temprana.
Hija del actor y director Pierre Mondy, ha estado nadando desde
siempre en un ambiente donde la libertad de creación, originalidad y
La expresión artística ocupa un lugar destacado.
Anne desarrolla su propia imaginación. A ella le gustan los colores,
iconografía y cultura pop, arte callejero, viejas comedias
musicales de MGM, los 80, música soul y series
Americano ... Su pasión por las artes plásticas se orienta rápidamente
hacia collages gracias a los cuales encuentra infinitas posibilidades
de expresión
Durante 23 años, trabajó como directora de prensa y directora.
artístico en las artes escénicas, mientras continúa la práctica
de las artes visuales de forma confidencial.
Fuerte y enriquecida por esta carrera, Anne decide, hace 3 años, embarcarse
en un nuevo desafío, un nuevo capítulo y para ampliar sus horizontes
profesionales Ella elige traerla
actividad artística y dedicarse solo a esta.
Y porqué no… ?!
POO
KKY
Calificado e insertado en el cuadro "ARTISTA DE LA CALLE", este electrón autodidacta ultrasensible se califica a sí mismo como "ARTISTA DEL SALÓN", porque funciona exclusivamente en su sala de estar o cocina.
Después de haber trabajado durante más de 10 años como paisajista, cambió radicalmente de dirección después de un pequeño accidente en la vida y se sumergió en la creación artística mediante la terapia.
él está experimentando con varias técnicas diversas para lograr este resultado, incluido el collage de carteles recuperados de las calles, pintura, retoque digital, plantilla, etc., etc.
Muy influenciado por el arte pop, rechaza los íconos de los años 60 hasta la actualidad según sus deseos y eventos actuales, al tiempo que integra una pequeña nota de humor o una afirmación que lo preocupa.
POOKKY, ese es su nombre, ha decidido firmar sus obras bajo diferentes seudónimos "extravagantes" para llevar al espectador a su universo un poco loco y peculiar, al tiempo que incluye una parte de misterio.
Philippe WATTEZ
Calificado e insertado en el cuadro "ARTISTA DE LA CALLE", este electrón autodidacta ultrasensible se califica a sí mismo como "ARTISTA DEL SALÓN", porque funciona exclusivamente en su sala de estar o cocina.
Después de haber trabajado durante más de 10 años como paisajista, cambió radicalmente de dirección después de un pequeño accidente en la vida y se sumergió en la creación artística mediante la terapia.
él está experimentando con varias técnicas diversas para lograr este resultado, incluido el collage de carteles recuperados de las calles, pintura, retoque digital, plantilla, etc., etc.
Muy influenciado por el arte pop, rechaza los íconos de los años 60 hasta la actualidad según sus deseos y eventos actuales, al tiempo que integra una pequeña nota de humor o una afirmación que lo preocupa.
POOKKY, ese es su nombre, ha decidido firmar sus obras bajo diferentes seudónimos "extravagantes" para llevar al espectador a su universo un poco loco y peculiar, al tiempo que incluye una parte de misterio.
Philippe PASQUA
Né à Grasse en 1965, Philippe Pasqua est un artiste-peintre autodidacte qui échappe aux institutions et aux circuits classiques. Il s’est inspiré de Francis Bacon et Lucian Freud et s’est imposé progressivement comme l’un des artistes majeurs de sa génération. Son art impressionne, bouscule et fascine.
Philippe Pasqua marque une étape dans son travail puisqu’il présente pour la première fois des autoportraits réalisés pendant le confinement, et célèbre un retour de la peinture dans une exposition "Monomaniaque". Il fait une démonstration magistrale de son obsession de toujours : l’art du portrait.
Dans cette série inédite, Philippe Pasqua s’est essayé à l’autoportrait, traité de la même façon que les autres sujets. Il se glisse dans l’ensemble discrètement et qui ne connait pas son visage pourrait passer à côté. Michel Lejeune aurait pu écrire ces mots pour ces œuvres : “… comment se fait-il qu’il n’y ait pas de signe interne qui permette de distinguer un autoportrait d’un portrait ?” Pasqua ne cherche en effet pas à se mettre en scène d’une façon ou d’une autre. Il ne fixe pas le spectateur à la manière de Dürer, ne rit pas comme Rembrandt, n’est pas en délire façon Courbet, en détresse tel Van Gogh, hautain à la Picasso ou à la Warhol. Lui est serein, apaisé et, comme beaucoup des sujets de l’exposition, les yeux fermés. Déstabilisant, puisque l’exercice du portrait nous habitue à un face à face où l’interaction passe par le regard. Troublant, car on ne peut s’empêcher de faire le rapprochement avec les masques mortuaires en cire du XIXe siècle. Mais ces yeux clos nous amènent malgré nous à souffler et à porter, à notre tour, un regard vers l’intérieur, à être à l’écoute de nos sensations, de l’invisible.
Très fière de sa confiance et de cette rencontre aussi
improbable qu'incroyable,
Philippe PASQUA m'a proposé pour l'exercice plusieurs
de ses portraits.
J'ai opté pour cet autoportrait
pour le (re)présenter. .. comme vous ne l'avez jamais vu.
à travers son dessin à la mine de plomb encré dans une robe unique,
une robe iconique dédiée cette fois à l'homme, l'artiste.
Jérôme
JASINSKI
THE 3D GEOMETRICAL ART OF
JÉRÔME JASINSKI
The playful pop art of the photographer, cabinet maker and sculptor Jérôme Jasinski creates the surprising impression of an unexpected form of 30 art. One inevîtably thinks of the work of Vasarely, with its imaginative geometrical forms. But beyond that, there are also the astonishingly complex perspectives created by his shimme
ring palette of bright yellows and oranges, as well as the vibrant reds, that were so characteristic of the spirit of the Seventies and of his childhood in a family of artists.
His first contact with WOOd as a medium was also a major revelation. From that point on, he chose to focus on cabinet-making which he studied for four years. When he became a professional designer and creator of furniture and other objects. he spent his weekends creating original pieces for fun. and gave them to friends. His family encouraged him to share his work on Facebook and in a few days he was signing his first contract for an exhibition at the Galerie Sandrine Heerebout
Word of mouth did the rest and the response was enthusiastic. His work was noticed in a gallery in the Rue Blaes in Brussels by Michel Launoit. designer and director of the MIMA. who took him under his wing and organised one exhibition after another Orders for his pieces took off and soon he had become a full-time artist His first solo show at the B19 was soon followed by shows at The Belgian Gallery and the Salon Eurantica. at the Art Unity Gallery in Knokke from March 5-13 and at the Hamton Art Gallery 1n New York. ln just four short years. this previously unknown artist had sold over 200 unique works to art collectors.
What is the "Jasinski touch"? Spontaneous and persona! pieces of work which emerge from an instinctive process combined with the aesthetic pleasure of a clean, architectural finish. His ability to "see in 30" and his sense of the right finishing touch allow him it to create powerful kinetic and optical objects. The precision of his lines results from meticulous preparation with drawings and the study of proportions in 30, and a constant concern for consistency and pace.
The orchestration of one of his creations. which can sometimes consist of several hundred pieces. is in itself a performance. Like a magician, he uses optical tricks to play with the visible and the invisible and his visual effects change our perception of the volumes.
Finally, the spirit that characterises his worl< is without a doubt that of joy. Joy expressed both through his choice of colours - when he's net playing with black and white - and the titles of his creations, word plays in French such as "Pacômes Leszautres", "Sam Chatouille", "Alex Tazie", "Oino Zore" and so on.
This remarkable - and much noticed - work also succeeds in not taking itself too seriously. lt is fun to look at white also inspirlng serenity.
Fabrice
AINAUT
Grâce à des volumes complexes où la droite et le plan ont une fonction essentielle, Fabrice Ainaut parvient à trouver des voies nouvelles qui donnent à l’ombre et à la lumière l’espace nécessaire pour qu’elles puissent se livrer à leurs affrontements dans une dialectique toujours imprévisible.
Amoureux du noir et du blanc, pour ce qui concerne les couleurs, l’artiste porte une extrême attention à l’invention de contrastes qu’il cherche à rendre toujours plus différents, plus instables et fugitifs.
L’idée maîtresse que poursuit Fabrice Ainaut, idée presque utopique, mais à laquelle il a raison de tenir, car l’avenir est ouvert, est d’arriver à insuffler la vie à ses œuvres. Aussi s’oriente-t-il vers une robotique particulière qui le conduit à développer une autonomie de l’interaction entre les mouvements de l’œuvre et la simple présence devant celle-ci de son spectateur, l’artiste restant ici celui qui contrôle les modalités de cette autonomie.
De là viennent les recherches de l’artiste pour rendre plus performant l’usage fréquent qu’il fait de l’ordinateur et des microcontrôleurs, afin de mieux programmer les montages complexes de mouvements qu’il inscrit dans les différentes pièces qui composent ses œuvres.
Fabrice Ainaut a un idéal, et cet idéal est de parvenir à construire des œuvres qui auraient en elles une véritable intelligence, cette intelligence qui leurs donnerait le moyen de s’auto-transformer.
Fernand.H.Fournier
Paris, Janvier 2016
nouveau challenge artistique à travers cette collaboration artistique : faire d’une de ses sculptures lumineuses une robe tableau vivant pour faire rayonner son art hors les murs.
Livraison in situ de la robe tableau sous l’œil du maître à la Galerie Wagner qui le représente.
Vous êtes témoins de ce moment fort de rapport de l’artiste à son œuvre réinterprétée. / à noter la lecture est ici verticale alors qu’elle est horizontale dans l’œuvre originale.
Validation en direct de l’idée qui l’a séduit alors qu’il ne portera jamais sa robe tableau convaincu que c’est une façon inédite de donner vie à son œuvre, idée qui lui est chère.
Aude
MILESI
"Je me définis comme une « coloriste des mots. » Je sensibilise mes interlocuteurs à l’importance du choix des mots, je peins et j’écris sur les mots positifs afin de leur redonner du sens et faire émerger leur vibration. La citation de Confucius « Une image vaut mille mots » prend alors tout son sens, lorsque j’expose mes peintures pour faire émerger, entre autres, des prises de conscience quant aux messages des mots."
C’est dans mon cabinet de consulting que j’ai installé mon atelier. Totalement autodidacte, en tant qu’artiste-peintre, j’ai découvert mon talent pour la peinture tardivement.
C’est en novembre 2020 que je débute avec la création de l’Oracle des Énergies Positives, que je crée sans imaginer créer de l’Art. Rapidement, je prends conscience que je peint par canalisation et que c’est mon âme qui œuvre, d’où le pseudo d’artiste que j’ai choisi : Â.M.
Ma rencontre avec Aude MILESI fut comme une évidence. Convaincue qu'en tant qu'artiste, femme qui plus est, il était pour elle important d'imaginer porter son Art et le revendiquer pour être identifiée comme l'auteure des tableaux desquels ont été éditées les robes uniques conçues en collaboration artistique.
Les robes co-éditées sont autant de support de communication dans une démarche de personal branding à l'instar de la la mienne puisque j'incarne et porte mes créations propres.
