Votre Art à ma façon
Da der Prozess der Gestaltung künstlerischer und einzigartiger Kleider von JUSTE UNE IMPRESSION im Grunde genommen ein künstlerischer Prozess war, schien es mir offensichtlich, dass er auf andere zeitgenössische Werke angewendet werden konnte, offensichtlich mit Zustimmung ihrer Autoren.
Die Idee ist
Kunst dort zu transponieren, wo wir sie nicht unbedingt erwarten (Pop Art, richtig?),
sich anders auf diese Künstler zu konzentrieren, um ihnen Sichtbarkeit zu geben,
aber auch und vor allem, um dem Originalwerk eine andere Perspektive zu geben.
Die Fotografien der Arbeiten werden überarbeitet (insbesondere in Bezug auf Farbdichte, Größe), bevor sie dauerhaft und unauslöschlich in die Textilfaser gedruckt und eingefärbt werden ( keine Änderung, unabhängig von der Anzahl der Maschinenwaschungen bei 30 ° ). Die Schirmherrschaft wird vom Designer auf subjektive Weise manuell übernommen, um der anfänglichen Arbeit, die notwendigerweise durch den Trapezschnitt des Kleides abgeschnitten wird, eine neue Perspektive zu geben.
von
funktioniert
Original
einzigartig
Jedes Kleid / Arbeit wurde in 1 einzelne Kopie gemacht. Es wurde vereinbart, dass Neuauflagen auf Bestellung vorgenommen werden können, jedoch innerhalb der maximal 10 Exemplare, die von den Künstlern nummeriert und signiert werden.
Echtheitszertifikat zur Verfügung gestellt.
mein Ansatz
Auch wenn diese Übung, künstlerische Werke durch meinen Textildesignprozess hervorzuheben, a priori auf eine bestimmte Anzahl von Werken übertragbar ist, habe ich das Postulat, sowohl die Werke als auch die Künstler selbst auszuwählen, die Der Mensch ist mir genauso wichtig wie die Arbeit selbst.
Als Grafikdesigner, Designer und Schöpfer habe ich eine grafische und ästhetische Linie ... als künstlerische Verhaltenslinie, eine redaktionelle Linie für eine kohärente Gesamtästhetik und Grafik.
Diese künstlerischen Kollaborationen haben sich als ästhetische und menschliche Beweise durchgesetzt und aus ihren jeweiligen Universen andere mögliche Variationen meiner emblematischen Markenkleider gezogen.
ARTY KLEIDER
LES Artistes
Gilles OUAKI
Der französische Fotograf Gilles Ouaki begann seine Karriere durch Fotojournalismus, eine echte Lebensader für dieses Vorstadtkind, das sich von innen nach außen hätte drehen können.
Er findet seinen Weg und wird zu den Augen anderer. Gilles Ouaki, wiederum ein großartiger Reporter für den Pariser und dann für Paris-Match, verfolgte zwanzig Jahre lang die Nachrichten von den Nachrichten bis zum Glamour der Stars. Mesrine, Action Directe, Carlos, Ouakis Ziel sublimiert den Tod eines Gangsters oder das Lächeln von Menschen. Zwischen einer Evokation von Warhols „elektrischem Stuhl“ oder Monorys „Morden“ bieten seine Bilder eine direkte Beziehung zum Realismus. Ouaki erhielt 1982 für seine Arbeit den Grand Prix der Stadt Paris und den Grand Prix Paris Match.
Gleichzeitig entwickelt der Künstlerfotograf eine Leidenschaft für zeitgenössische Kunst: "Künstler sind Leuchtfeuer, die die Welt erleuchten und unsere Welt braucht sie"! Im Jahr 1998 wagte Ouaki den Sprung und wurde ein Performer, indem er FIAC, dem Chef der Freien Figuration, Robert Combas für „The Wall“, die kontrollierte Halluzination von glitzernden Graffiti und Fotos, die den modernen Mann in der „Gefängnisgesellschaft“ anprangerten, vorstellte ”.
Gilles Ouaki ist ein Künstler seiner Zeit, der unwahrscheinliche Begegnungen provoziert. Jäger der Gefühle, Schöpfer von Dialogen, er verbietet nichts. Im Val d'Oise gründete er 2009 eine neue künstlerische Biennale, "The Grand Bet [s] of Contemporary Art". Die größten Künstler waren anwesend: Wiliam Klein , ORLAN , Gérard Fromanger ...
Im Jahr 2010 trat Gilles Ouaki der Designerfamilie bei und präsentierte seine neueste Kreation, Cheese, während der zehnten Ausgabe des Designer's Day. Er bietet eine riesige Brownie-Kamera als Sofa, Bücherregal, Plasmabildschirm, Lampe an… ein Job, der ihm die Qualifikation als „einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler seiner Generation“ (Current Art) einbringt.
Sein Talent wird von öffentlichen und privaten Schauspielern der Kunstszene anerkannt: Vom Designer-Tag an wird Gilles Ouaki in das Grand Palais getrieben, um dort in einer Einzelausstellung auszustellen. Er wird neben Jane Evelyn Atwood oder Stanley Green als einer der 10 größten Weltfotografen bei der Ausstellung „Paris Photo“ 2010 von Leica vorgestellt. Im selben Jahr beauftragte Armand Hadida Gilles Ouaki für die 30 Jahre des L'Eclaireur Conceptstores mit der Organisation einer Aufführung zu diesem Jubiläum.
Gilles Ouaki schätzt jedoch besonders die Erfahrung der Versickerung und Hybridisierung: Mit Bye-Bye Polaroïd feierte er 2009 das Ende des Polaroïd, indem er ein Werk des „Teilens“ mit seinen Künstlerfreunden entwickelte. Ziel: Erstellen Sie Schnappschüsse, die als Unterstützung für eine neue Arbeit dienen. Arman , Ben, Robert Combas, Bernard Venet, Nathalie Elemento, Fabrice Hyber, Joël Hubaut, Jean-Paul Goude, Erro, Monory, Orlan, Rancillac, Pierre Soulages, Jacques Villeglé und Yann Queffélec haben alle geantwortet!
2012 hat er es wieder getan; Dieses Mal arbeitet das Werk der Alchemie mit den Größen der Street Art zusammen, die eingeladen sind, bei Vintage-Aufnahmen des Künstlers Ouaki einzugreifen. Diese Schwarz-Weiß-Gangster- und Straßenbilder werden von Straßenläufern überarbeitet. Ergebnis: Cope2, Faucheur, Monsieur Chat, Speedy Graphito, Konny, ThomThom, Paella ... 43 Street Art-Künstler nehmen an NB & Coulour teil. Der Künstler vergisst jedoch nicht seine Arbeit als Performer auf dem Pont des Arts mit der Operation I Lock You. Gilles Ouaki löst und bricht die Vorhängeschlösser der mythischen Pariser Brücke, um sie während des Tranoï im Carrousel du Louvre im Großformat zu verewigen 2012.
Jean-Michel GNIDZAZ
Nach einem Jahrzehnt der Reflexion über geometrische Kompositionen bricht Jean-Michel Gnidzaz heute mit reiner Abstraktion und gibt seiner Arbeit eine neue Orientierung. Seit 2003 initiiert er eine neue Serie von Porträts, die kulturellen Ikonen des 20. Jahrhunderts gewidmet sind. Jean-Michel Gnidzaz ist beeindruckt von der Beharrlichkeit bestimmter Bilder oder Fotografien bedeutender kultureller Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts im kollektiven Unbewussten, insbesondere jener, die gleichbedeutend mit einer Rebellion gegen die etablierte Ordnung sind, und hinterfragt hier ihren ikonischen Status. Durch die Neutralisierung des Hintergrunds der Originalfotografie, die Neuzusammenstellung des Porträts aus Spielen mit zwei- und dreifarbigen, flachen und abwechselnd farbigen Bändern, die eine gewisse Kinetik wieder einführen, wird diese Inkunabel der Zeitgeschichte einer Identifikation beraubt zu unmittelbar. So für einen Moment aus dem Konsens gestrichen, aus dem vereinbarten Respekt, der ihnen normalerweise vorbehalten ist, finden diese populären Idole eine gewisse Fähigkeit, den Zuschauer zu belästigen. Der Prozess zwingt uns, einen schnellen historischen Schritt zurückzutreten, um unsere Fragen weiterzuentwickeln: Was würden die Beatles, James Dean oder sogar Coluche heute in unserer Gesellschaft bedeuten? Welchen Platz werden sie in den Köpfen künftiger Generationen einnehmen? Werden sie dem dekorativen Status entkommen, in den die kaufmännische Ausbeutung ihres Bildes sie verbannt hat? Noch hat niemand die Antwort, aber die Arbeit von Jean-Michel Gnidzaz hinterfragt mit Bedacht. Diese neue Serie von Porträts und die Flut von Fragen, die sie aufwirft, sind sicherlich ein neuer wesentlicher Meilenstein auf ihrer künstlerischen Reise und machen uns neugierig auf ihre zukünftigen Entwicklungen.
Amiel Grumberg
Anne MONDY
Anne Mondy wurde 1972 geboren und ist eine Designerin, die Collagen kreiert
und mischt sich schon in jungen Jahren.
Die Tochter des Schauspielers und Regisseurs Pierre Mondy schwimmt seitdem
immer in einer Umgebung, in der Freiheit der Schöpfung, Originalität und
Der künstlerische Ausdruck hat einen herausragenden Platz.
Anne entwickelt ihre eigene Vorstellungskraft. Sie mag Farben,
Ikonographie und Popkultur, Street Art, alte Komödien
Musicals von MGM, den 80ern, Soul Musik und Serien
Amerikaner ... Seine Leidenschaft für die bildende Kunst ist schnell orientiert
zu Collagen, dank denen sie endlose Möglichkeiten findet
des Ausdrucks.
23 Jahre lang arbeitete sie als Pressesprecherin und Direktorin
künstlerisch in den darstellenden Künsten, während die Praxis fortgesetzt wird
der bildenden Kunst vertraulich.
Anne ist stark und bereichert durch diese Karriere und beschließt vor drei Jahren, sich einzuschiffen
in einer neuen Herausforderung, einem neuen Kapitel und um seinen Horizont zu erweitern
Profis. Sie beschließt, sie mitzubringen
künstlerische Tätigkeit und sich nur dieser zu widmen.
Und warum nicht ...?!
POO
KKY
Qualifiziert und in das Feld „STREET ARTIST“ eingefügt, qualifiziert sich dieser autodidaktische ultraempfindliche freie Elektron als „LOUNGE ARTIST“, da er ausschließlich in seinem Wohnzimmer oder seiner Küche arbeitet.
Nachdem er mehr als 10 Jahre als Landschaftsgestalter gearbeitet hatte, wechselte er nach einem kleinen Lebensunfall radikal die Richtung und tauchte durch Therapie in das künstlerische Schaffen ein.
Er experimentiert mit verschiedenen Techniken, um dieses Ergebnis zu erzielen, einschließlich der Collage von Plakaten, die von der Straße geborgen wurden, Malerei, digitaler Retusche, Schablone usw. usw.
Sehr beeinflusst von der Pop Art, lehnt er die Ikonen der 60er Jahre bis heute nach seinen Wünschen und aktuellen Ereignissen ab und integriert dabei eine kleine Note von Humor oder eine Behauptung, die ihn beschäftigt.
POOKKY, so heißt er, hat beschlossen, seine Werke unter verschiedenen „verrückten“ Pseudonymen zu signieren, um den Zuschauer in sein leicht verrücktes und schrulliges Universum zu bringen und dabei einen Teil des Mysteriums einzubeziehen.
Philippe WATTEZ
Qualifiziert und in das Feld „STREET ARTIST“ eingefügt, qualifiziert sich dieser autodidaktische ultraempfindliche freie Elektron als „LOUNGE ARTIST“, da er ausschließlich in seinem Wohnzimmer oder seiner Küche arbeitet.
Nachdem er mehr als 10 Jahre als Landschaftsgestalter gearbeitet hatte, wechselte er nach einem kleinen Lebensunfall radikal die Richtung und tauchte durch Therapie in das künstlerische Schaffen ein.
Er experimentiert mit verschiedenen Techniken, um dieses Ergebnis zu erzielen, einschließlich der Collage von Plakaten, die von der Straße geborgen wurden, Malerei, digitaler Retusche, Schablone usw. usw.
Sehr beeinflusst von der Pop Art, lehnt er die Ikonen der 60er Jahre bis heute nach seinen Wünschen und aktuellen Ereignissen ab und integriert dabei eine kleine Note von Humor oder eine Behauptung, die ihn beschäftigt.
POOKKY, so heißt er, hat beschlossen, seine Werke unter verschiedenen „verrückten“ Pseudonymen zu signieren, um den Zuschauer in sein leicht verrücktes und schrulliges Universum zu bringen und dabei einen Teil des Mysteriums einzubeziehen.
Philippe PASQUA
Né à Grasse en 1965, Philippe Pasqua est un artiste-peintre autodidacte qui échappe aux institutions et aux circuits classiques. Il s’est inspiré de Francis Bacon et Lucian Freud et s’est imposé progressivement comme l’un des artistes majeurs de sa génération. Son art impressionne, bouscule et fascine.
Philippe Pasqua marque une étape dans son travail puisqu’il présente pour la première fois des autoportraits réalisés pendant le confinement, et célèbre un retour de la peinture dans une exposition "Monomaniaque". Il fait une démonstration magistrale de son obsession de toujours : l’art du portrait.
Dans cette série inédite, Philippe Pasqua s’est essayé à l’autoportrait, traité de la même façon que les autres sujets. Il se glisse dans l’ensemble discrètement et qui ne connait pas son visage pourrait passer à côté. Michel Lejeune aurait pu écrire ces mots pour ces œuvres : “… comment se fait-il qu’il n’y ait pas de signe interne qui permette de distinguer un autoportrait d’un portrait ?” Pasqua ne cherche en effet pas à se mettre en scène d’une façon ou d’une autre. Il ne fixe pas le spectateur à la manière de Dürer, ne rit pas comme Rembrandt, n’est pas en délire façon Courbet, en détresse tel Van Gogh, hautain à la Picasso ou à la Warhol. Lui est serein, apaisé et, comme beaucoup des sujets de l’exposition, les yeux fermés. Déstabilisant, puisque l’exercice du portrait nous habitue à un face à face où l’interaction passe par le regard. Troublant, car on ne peut s’empêcher de faire le rapprochement avec les masques mortuaires en cire du XIXe siècle. Mais ces yeux clos nous amènent malgré nous à souffler et à porter, à notre tour, un regard vers l’intérieur, à être à l’écoute de nos sensations, de l’invisible.
Très fière de sa confiance et de cette rencontre aussi
improbable qu'incroyable,
Philippe PASQUA m'a proposé pour l'exercice plusieurs
de ses portraits.
J'ai opté pour cet autoportrait
pour le (re)présenter. .. comme vous ne l'avez jamais vu.
à travers son dessin à la mine de plomb encré dans une robe unique,
une robe iconique dédiée cette fois à l'homme, l'artiste.
Jérôme
JASINSKI
THE 3D GEOMETRICAL ART OF
JÉRÔME JASINSKI
The playful pop art of the photographer, cabinet maker and sculptor Jérôme Jasinski creates the surprising impression of an unexpected form of 30 art. One inevîtably thinks of the work of Vasarely, with its imaginative geometrical forms. But beyond that, there are also the astonishingly complex perspectives created by his shimme
ring palette of bright yellows and oranges, as well as the vibrant reds, that were so characteristic of the spirit of the Seventies and of his childhood in a family of artists.
His first contact with WOOd as a medium was also a major revelation. From that point on, he chose to focus on cabinet-making which he studied for four years. When he became a professional designer and creator of furniture and other objects. he spent his weekends creating original pieces for fun. and gave them to friends. His family encouraged him to share his work on Facebook and in a few days he was signing his first contract for an exhibition at the Galerie Sandrine Heerebout
Word of mouth did the rest and the response was enthusiastic. His work was noticed in a gallery in the Rue Blaes in Brussels by Michel Launoit. designer and director of the MIMA. who took him under his wing and organised one exhibition after another Orders for his pieces took off and soon he had become a full-time artist His first solo show at the B19 was soon followed by shows at The Belgian Gallery and the Salon Eurantica. at the Art Unity Gallery in Knokke from March 5-13 and at the Hamton Art Gallery 1n New York. ln just four short years. this previously unknown artist had sold over 200 unique works to art collectors.
What is the "Jasinski touch"? Spontaneous and persona! pieces of work which emerge from an instinctive process combined with the aesthetic pleasure of a clean, architectural finish. His ability to "see in 30" and his sense of the right finishing touch allow him it to create powerful kinetic and optical objects. The precision of his lines results from meticulous preparation with drawings and the study of proportions in 30, and a constant concern for consistency and pace.
The orchestration of one of his creations. which can sometimes consist of several hundred pieces. is in itself a performance. Like a magician, he uses optical tricks to play with the visible and the invisible and his visual effects change our perception of the volumes.
Finally, the spirit that characterises his worl< is without a doubt that of joy. Joy expressed both through his choice of colours - when he's net playing with black and white - and the titles of his creations, word plays in French such as "Pacômes Leszautres", "Sam Chatouille", "Alex Tazie", "Oino Zore" and so on.
This remarkable - and much noticed - work also succeeds in not taking itself too seriously. lt is fun to look at white also inspirlng serenity.
Fabrice
AINAUT
Grâce à des volumes complexes où la droite et le plan ont une fonction essentielle, Fabrice Ainaut parvient à trouver des voies nouvelles qui donnent à l’ombre et à la lumière l’espace nécessaire pour qu’elles puissent se livrer à leurs affrontements dans une dialectique toujours imprévisible.
Amoureux du noir et du blanc, pour ce qui concerne les couleurs, l’artiste porte une extrême attention à l’invention de contrastes qu’il cherche à rendre toujours plus différents, plus instables et fugitifs.
L’idée maîtresse que poursuit Fabrice Ainaut, idée presque utopique, mais à laquelle il a raison de tenir, car l’avenir est ouvert, est d’arriver à insuffler la vie à ses œuvres. Aussi s’oriente-t-il vers une robotique particulière qui le conduit à développer une autonomie de l’interaction entre les mouvements de l’œuvre et la simple présence devant celle-ci de son spectateur, l’artiste restant ici celui qui contrôle les modalités de cette autonomie.
De là viennent les recherches de l’artiste pour rendre plus performant l’usage fréquent qu’il fait de l’ordinateur et des microcontrôleurs, afin de mieux programmer les montages complexes de mouvements qu’il inscrit dans les différentes pièces qui composent ses œuvres.
Fabrice Ainaut a un idéal, et cet idéal est de parvenir à construire des œuvres qui auraient en elles une véritable intelligence, cette intelligence qui leurs donnerait le moyen de s’auto-transformer.
Fernand.H.Fournier
Paris, Janvier 2016
nouveau challenge artistique à travers cette collaboration artistique : faire d’une de ses sculptures lumineuses une robe tableau vivant pour faire rayonner son art hors les murs.
Livraison in situ de la robe tableau sous l’œil du maître à la Galerie Wagner qui le représente.
Vous êtes témoins de ce moment fort de rapport de l’artiste à son œuvre réinterprétée. / à noter la lecture est ici verticale alors qu’elle est horizontale dans l’œuvre originale.
Validation en direct de l’idée qui l’a séduit alors qu’il ne portera jamais sa robe tableau convaincu que c’est une façon inédite de donner vie à son œuvre, idée qui lui est chère.
Aude
MILESI
"Je me définis comme une « coloriste des mots. » Je sensibilise mes interlocuteurs à l’importance du choix des mots, je peins et j’écris sur les mots positifs afin de leur redonner du sens et faire émerger leur vibration. La citation de Confucius « Une image vaut mille mots » prend alors tout son sens, lorsque j’expose mes peintures pour faire émerger, entre autres, des prises de conscience quant aux messages des mots."
C’est dans mon cabinet de consulting que j’ai installé mon atelier. Totalement autodidacte, en tant qu’artiste-peintre, j’ai découvert mon talent pour la peinture tardivement.
C’est en novembre 2020 que je débute avec la création de l’Oracle des Énergies Positives, que je crée sans imaginer créer de l’Art. Rapidement, je prends conscience que je peint par canalisation et que c’est mon âme qui œuvre, d’où le pseudo d’artiste que j’ai choisi : Â.M.
Ma rencontre avec Aude MILESI fut comme une évidence. Convaincue qu'en tant qu'artiste, femme qui plus est, il était pour elle important d'imaginer porter son Art et le revendiquer pour être identifiée comme l'auteure des tableaux desquels ont été éditées les robes uniques conçues en collaboration artistique.
Les robes co-éditées sont autant de support de communication dans une démarche de personal branding à l'instar de la la mienne puisque j'incarne et porte mes créations propres.
Ode
BERTRAND
« Amener le chaos dans l’ordre » : tel est le pari poursuivi par Ode Bertrand à travers sa création.
Élève, assistante et confidente de la grande Aurelie Nemours pendant 35 ans, son œuvre de peintre relève également de l’art concret, mais sur des prémices différentes : là où Aurelie Nemours explorait le plan et la couleur, Ode Bertrand s’attache au trait, qu’elle utilise à la fois comme signe et structure pour subvertir des figures géométriques définies autour du nombre d’or, grille, labyrinthe, triangle… Ses oeuvres, qui au premier regard semblent épurées et ordonnées, révèlent à l’observateur attentif un foisonnement insoupçonné, et paraissent vibrer d’une vie intrinsèque.
Extrait de “Ode Bertrand – Trait et lumière”, monographie de Serge Lemoine (mars 2008)
Ma rencontre avec Ode BERTRAND fut initiée par la galerie Florence WAGNER (Paris). Maîtresse dans son Art, la maîtrise des lignes, des traits pour en faire des figures géométriques abstraites avec un travail particulier sur l'articulation du noir et du blanc, une rencontre humaine avant tout pleine d'admiration pour ma part. Elle s'est prêtée à la rencontre artistique au point d'arborer fièrement un de mes masques design, surprise et admirative de ma démarche de transposition sur du textile d'oeuvres majeures, dont la sienne pour faire de son tableau "sur la pointe" une robe unique.
Mathias KRISSMER
"L'objectif de mon travail est d'animer des formes et des motifs géométriques de base simples dans des animations vidéo animées. Pour ce faire, je recherche les aspects du temps, de la couleur, de la forme et de la lumière ainsi que leur perception. L'agencement additif crée de grandes formes strictement géométriques, dont les arrangements et les mouvements apparaissent parfois de manière aléatoire. Mes formes de base sont des carrés, des cercles, des triangles, des lignes, des croix et parfois des courbes. Grâce à une manipulation ciblée du temps, par ex. B. grâce à un décalage temporel, je développe diverses structures et schémas de mouvement. D’une part, ceux-ci se caractérisent par leur dynamique et leur variabilité, mais d’autre part, ils présentent une rigueur conceptuelle prononcée. Les mouvements de base des formes tels que la rotation, la mise à l'échelle, le positionnement ainsi que les changements de couleur et de forme servent d'éléments de base pour de nouvelles compositions.
Ceux-ci sont soumis à un processus d’évolution constant, qui conduit à la création continue de nouvelles variations sur un thème. Le mouvement des formes de base crée également des espaces en constante évolution entre les formes. Le temps est rendu visible à travers le mouvement des formes. Les œuvres n'ont ni début ni fin et peuvent donc être jouées indéfiniment. La vitesse joue un rôle crucial dans la perception des effets optiques et constitue une part importante des compositions. L'accent mis sur le mouvement est soutenu par l'utilisation des non-couleurs noir et blanc, parfois complétées par l'une des couleurs primaires. Cela crée de forts contrastes qui distinguent clairement les formes les unes des autres et de l'arrière-plan. La lumière blanche émerge du support et éclaire également les alentours de la pièce. La lumière fait ressortir les formes et les structures du noir invisible. Les œuvres ne sont pas liées à des supports physiques ou au cadre technique d'un support de reproduction ou d'une surface de projection. Les œuvres d’art peuvent être diffusées depuis des téléphones portables jusqu’à de grands écrans vidéo ou des murs LED.
III00000I0III000I0 - oeuvre animée native de Mathias KRISSMER
Ma rencontre avec Mathias KRISSMER s'est faite via les réseaux sociaux autour d'une passion commune pour l'Art Optique/cinétique. Il m'a spontanément proposé de réinterpréter une de ses oeuvres animées pour l'imaginer en robe Art prêt à porter. Le challenge consistant ici à re designer une de ses animations pour la figer le temps d'une impression, le mouvement cher à cet artiste serait ainsi donné par le mouvement du modèle porté.
Il arbore ci-contre un masque unique designé pour signer cette collaboration artistique et lui permettre de porter son Art.
